MUSICA

SANTULLO: CON LOS CINCO SENTIDOS INTACTOS

El cantante charrúa habló con BUEN DESTINO de su primer disco solista de la mano de Bajofondo, de sociología y sobre el ser uruguayo, antes del recital que dará en La Trastienda.

Son las tres de la tarde y es un día como cualquier otro para este padre de familia. Sentado en su estudio casero escucha un poco de música con los auriculares puestos. Es uruguayo y, como consecuencia, está con el mate y el termo a su lado. La casa de Fernando Santullo queda a media cuadra de la playa en Castelldefels, una ciudad de aproximadamente 60 mil habitantes, a unos 20 kilómetros de Barcelona. Tiene la persiana de la puerta que da a la terraza a medio bajar y el viento de mar entra un poco fresco. Afuera hay sol, pero no hace tanto calor. Hace unos pocos días que comenzó el otoño.

El joven montevideano clase 1968 acaba de editar su primer disco solista (Bajofondo presenta Santullo, 2009), que fue producido por Gustavo Santaolalla y Juan Campodónico, compañero suyo en la banda Peyote Asesino, durante la década de los 90. La idea de editar el álbum bajo el “paraguas” Bajofondo se dio después de haber colaborado con el colectivo como cantante y compositor invitado en Mar Dulce (2009) y “por una forma en común de hacer música actual del Río de la Plata”.

- ¿Cómo conviven las influencias de Jaime Roos, el rap y las referencias a Led Zeppelin?

- Son todas partes de mi historia musical personal. Siempre me interesó la forma de mezclar géneros de Roos, así que fue natural que eso apareciera filtrado en estas canciones. Y lo mismo pasa con la música anglo: Led Zeppelin, Hendrix, Duran Duran, Iron Maiden, Suzanne Vega, The Streets, cosas del hip hop y la música electrónica europea actual. La cuestión es que eso encaje de alguna forma en una música personal, que diga algo por sí misma y que no sea pura referencia. Yo creo que eso está logrado en este disco. Se dice que no hay niños sin padres, pero que sí hay niños sin filiación política. Este es un niño así, sin filiación política.

- En una entrevista dijiste que “el uruguayo nunca está demasiado contento”. ¿Por qué creés que pasa esto? ¿Qué los hace así?

- Lo que creo que quise explicar es que el uruguayo (y no todos) tiene algún gusto por la melancolía y que tenemos, aunque es una generalización exagerada, cierto descontento interior que a veces parece eterno. Me imagino que tiene que ver con ser hijos y nietos de inmigrantes, con vivir extrañando y anhelando lo que no se tiene. Pero sin duda, esto también es otra generalización terrible.

- Leí que sos sociólogo y que trabajaste como periodista. ¿Hay elementos de estas profesiones en tus composiciones?

- Hay algunas cosas de la sociología que están presentes en la música y en las letras. La sana sospecha que la sociología despierta ante lo que parece obvio y quizá no lo es tanto, está presente en algunas canciones como “Autómatas del vicio” y “Quién”, por ejemplo.

Uno de los puntos más fuertes y destacables de Bajofondo presenta Santullo es el tema “Intacto”, que canta a dúo con su hija Agustina de 9 años, a quien, después de responder por mail a estas preguntas, irá a buscar de su clase de natación. “La idea surgió de ella: se puso a cantar toda la letra un día que estábamos componiendo el tema y la grabamos. Después fue uno de los temas que más creció y su voz quedó muy bien, muy potente en el contexto de la canción. Un día me pidió que le explicara qué era lo que estaba cantando. Si bien es una letra densa, no creo que le haya preocupado en lo más mínimo ya que para ella es sólo un juego. Y mejor que así sea”.

Martín Carrillo
Fotos: Prensa

¿CUANDO Y DONDE?

Santullo se presentará en La Trastienda (Balcarce 460) el miércoles 21 de octubre a las 21. Las entradas se pueden adquirir en www.ticketek.com.ar o en la boletería del local.

LIBROS

DE LA PARED AL PAPEL

Se acaba de editar “Graffiti Argentina”, la primera publicación sobre la escena local de arte urbano nacional. Maximiliano Ruiz, su autor, habló desde Barcelona con BUEN DESTINO.

Empresas de gaseosas, videos musicales, ropa, medicinas prepagas y decenas de otros proyectos han adoptado en algún momento la estética del arte urbano, con su sello característico claramente identificable. Y si bien en el resto del mundo tiene un lugar ganado hace mucho tiempo, es una disciplina que recién empieza a ser reconocida en estas tierras.

Desde su computadora en su casa de Barcelona, Maximiliano Ruiz, el autor de “Graffiti Argentina” (Thames & Hudson, 2009), cuenta cómo ve a los pintores locales: “La escena es simple, y obviamente, fresca y joven. Hay mucho talento y capacidad, pero no tanta técnica y trayectoria, cosas que describen un buen graff o artista, pero sólo se consiguen con muchos años de pintar”.

- ¿Por qué creés que se dio el gran crecimiento del arte urbano en Argentina?

- El arte urbano tiene la cualidad de ser libre sin importar cuánto se lo reprima, al igual que el ser humano, naturalmente. En el mundo en que vivimos la presión es constante y hay muchas pautas que te determinan para desenvolverte en sociedad. El arte urbano nace en la ilegalidad y la clandestinidad. El arte urbano es arte puro, es pintura y expresión en la cara de la ciudad. Es imparable, está como un crimen en muchos países. Dice sin decir: no hay mensajes, sólo hay estilo, colores, originalidad, sorpresa y fuerza.

- ¿Y cómo creés que puede llegar a evolucionar?

- Argentina vive el ciclo que vivió el graffiti en Nueva York hace 20 años y el mismo que Europa hace 10, donde actualmente está completamente reprimido y castigado. La experiencia me dice que luego del boom y la fama viene la represión. Y a nivel artístico se mezclan muchas cosas y hasta ahora se refleja bastante en nuestro arte callejero, pero definitivamente sólo los años darán los mejores resultados, todavía hay mucho por ver.

Martín Carrillo

¿DONDE?

El libro “Graffiti Argentina” se puede conseguir en el MALBA (Av. Figueroa Alcorta 3415), Boutique del Libro (Thames 1762 y Costa Rica 4562) y La Paragráfica (Av. Córdoba 1785).

MUSICA

DANCING MOOD, DE SUAVE HUMOR

El líder del grupo, Hugo Lobo, adelanta cómo será el recital de los 100 Nicetos, cuenta sobre sus composiciones y da pistas sobre el disco triple que editarán a fin de año.

Son las 0.32 de un miércoles de agosto y después del ensayo que duró cerca de dos horas, Hugo Lobo invita a pasar a la cocina de Niceto Club y se dispone a cenar los pocos panes rellenos que sobraron. Horas antes, el resto de los integrantes de Dancing Mood y la orquesta sinfónica que los acompañará en el recital gratuito que darán el 3 de octubre, comieron unas muy halagadas empanadas árabes.

El multitudinario ensayo resume en gran medida el espíritu de la banda: buena música, invitados de diferentes procedencias artísticas y diversión. Cantan por su cumpleaños cuando llega el saxofonista Rubén Mederson, toman un poco de vino, comparten risas y de tanto en tanto se suben al escenario los cantantes de ocasión, Pablo Molina y Dread Mar-I, que formarán parte entre otros de la celebración por los 100 conciertos en Niceto Club a comienzos del mes próximo. “Va a ser una movida como fue la de los shows en el teatro Opera y en el Luna Park, una ocasión especial. Lo vamos a hacer acá en la puerta, gratis. Con invitados internacionales, con un repertorio diferente presentando un poco el EP de seis canciones que acabamos de sacar (On the Sunny Side of the Street, 2009) y adelantando algo del disco que va a salir antes de fin de año”, explica el trompetista de 29 años.

- ¿Cómo va a ser? Tengo entendido que podría ser un disco triple.

- Correcto, va a ser enorme. El nombre todavía no lo tengo, estoy en eso. Ya están los artistas que van a colaborar, pero no quiero adelantar todos. Están The Skatalites, Pauline Black, Ranking Roger, The English Beat y como 15 artistas más de afuera. Estuve grabando en Inglaterra con gente legendaria del ska y el reggae. Es todo medio sorpresa.

- ¿Y por qué algo de semejantes magnitudes?

- Bueno, el anterior fue un álbum doble y un DVD (Deluxe, 2008), así que queríamos hacer algo también grande y diferente. Dancing Mood es una banda instrumental, y con la cantidad de gente que te dije que va a participar iba a terminar siendo un disco cantado, y no queríamos eso. Ahora va a haber espacio para todo.

Desde 20 minutos (2001), su primer disco, Lobo siempre optó por interpretar composiciones ajenas, de grandes nombres de la historia del jazz, esencialmente: Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Thelonious Monk y Dave Brubeck, entre otros. “Por primera vez van a entrar un par de piezas que escribí.”

- ¿Y vas a estar a la altura de Duke Ellington o Miles Davis?

- (Risas) No sé si tanto, pero por ahí. Arrimando a Henry Mancini.

Martín Carrillo
Fotos: Esteban Montes

100 NICETOS

El show de los 100 Nicetos será el 3 de octubre, gratis, al aire libre, en la intersección de las calles Niceto Vega y Humboldt desde las 15. “Van a estar de invitados Vicentico, Flavio Cianciarulo, Deborah Dixon, Dread Mar-I y una cantante de afuera que es sorpresa”, dice Lobo. Con la compra del EP On the Sunny Side of the Street, el público recibirá un cupón para participar en sorteos de viajes a Brasil y a Uruguay, además de noches con 50 amigos en diferentes boliches. El disco costará por única vez $25, a diferencia de los $10 por los que se venden los álbumes anteriores.

MUSICA

MARIANO OTERO Y EL TRABAJO DE SER MUSICO

En una entrevista de más de dos horas, el contrabajista y compositor de jazz habló de sus influencias, sus métodos de composición, su relación con la prensa y del ciclo de recitales que dará en Thelonious Club.

“¿Y este de Snoop Dogg lo viste? Tengo varios discos de rap”, comenta entusiasmado Mariano Otero mientras sigue mostrando su variada discoteca. “Estoy juntando muchos vinilos desde hace un tiempo. Arriba de aquella silla hay de los Beatles, Bob Dylan, John Coltrane y de Sting, mi primer gran ídolo”.

Desde un sillón del living en su hermosa casa de Palermo, Otero toma vino tinto un sábado por la noche y hace sentir a sus ocasionales invitados como amigos de toda la vida. Cuando Tomás, su hijo mayor, juega al tenis en el pasillo y Juan, el menor, mira televisión desde su silla de bebé, el padre de la familia cuenta cómo va a ser el ciclo de recitales que dará todos los lunes de julio y agosto en Thelonious Club: “Estoy muy estimulado por el hecho de empezar a andar esta música, que la compuse especialmente para el quinteto. Además, está esa adrenalina de tocar algo que no tocaste nunca. Está verde por ahora, todavía no nos sale muy bien. Es más, yo le recomendaría a la gente que no vaya los primeros seis días (risas)”.

- ¿Y con qué se pueden encontrar los que sí vayan?

- Para mí, se pueden esperar cosas bellísimas. Ver a músicos comprometidos con la situación artística y con hacerla funcionar. Cuando vos te pasás de rosca de tocar una música, tu desafío es más con la liberación de eso. Pero cuando todavía no te sale bien se los ve tensos, trabajando.

- ¿Vas a presentar temas nuevos?

- Sí, seis temas que irán en un futuro disco: Vuelos, Snob, Rojo, Gordini, D.P. y Podría haber sido Juan, que está inspirada en un arreglo que hice para la canción Yo soy Juan del álbum homenaje a León Gieco. Igual, no se parece en nada a la versión original.

Una de las particularidades de la vida musical de Otero es que logró tener en su casa el sueño de una sala de ensayo propia. Literalmente entre la cocina y el living. Si bien no es gigante, cuenta que la disposición de los instrumentos varía en la medida en que su carrera se lo pide. Desde el quinteto hasta la orquesta de 13 integrantes han pasado por ahí. Las paredes están decoradas únicamente con dos pinturas de artistas que resumen en parte sus influencias: Jimi Hendrix y Charles Mingus.

- ¿Te nutrís de otros elementos para crear además de la música?

- Absolutamente, lo veo como una necesidad. Miro mucho cine, me hace bien. Y con la lectura me pasa lo mismo. Me excito, me pone loco. Puedo leer literatura, política o filosofía. Me conecta con todo.

- ¿Sos disciplinado para trabajar?

- Sí, bastante. No en el sentido de los horarios estables. A partir del nacimiento de mis hijos el día es más como una aventura, pero cuando me dedico a escribir, escribo todo el día. No paro nunca, siento un compromiso con eso. Me lo tomo muy en serio, es mi trabajo.

- ¿Cómo te llevás con la prensa?

- Con vos, bien (risas). No sé qué decirte, para mí es todo muy snob y más el mundo que nos rodea a nosotros. Que Florencia Peña sea mi esposa es para alguna gente como un insulto, no entiendo esos prejuicios. Este país es así, no hay una profundidad en ese aspecto. Nunca nadie me pregunta de la composición, del arte. Yo con la prensa tengo una relación muy rara, me cuesta mucho que me pregunten cosas de verdad.

Martín Carrillo
Fotos: Ariel Loffi Gorostiaga

¿CUANDO Y DONDE?

Mariano Otero se presentará durante todos los lunes de julio y agosto a las 21 en Thelonious Club (Salguero 1884, 1º piso, Palermo).

BUEN DESTINO TE INVITA A VER A MARIANO OTERO

Escribinos a revistabuendestino@gmail.com y participá por dos pares de entradas para ir a ver a Mariano Otero en vivo a Thelonious Club. Los ganadores serán informados por mail.

LIBROS

MAX AGUIRRE: A LA GUARDIA NUEVA

El dibujante acaba de editar la primera edición de “Jim, Jam y El Otro”, un compilado de las historietasque publica en La Nación. Una charla sobre su carrera, sus colegas y la edad.

Ante la oferta por e-mail la noche anterior de “mate o infusiones similares”, fotógrafo y periodista llegan a su departamento de Villa Crespo pasadas las cinco de la tarde un más que caluroso jueves de mayo. “Justo estábamos limpiando la casa”, avisa Max Aguirre mientras invita a sentarse en torno a su propia mesa de bar.

Finalmente, la entrevista transcurre en su estudio, rodeados de libros de Juan Sasturain, Ernesto Sábato, Alejandro Dolina y de sus colegas Liniers, Tute y Roberto Fontanarrosa. Aguirre, de 38 años, acaba de editar su primera compilación de Jim, Jam y El Otro, la historieta que cuenta el día a día de tres amigos sin identificarlos individualmente y realiza diariamente para la contratapa de La Nación desde diciembre de 2007. “Yo aparecí ahí porque Tute, que ya estaba haciendo Batu, empezó a dejar comentarios en mi blog, con lo conmovedor que es eso, y me recomendó porque estaban buscando humoristas gráficos para sumarse al diario”, cuenta mientras muestra algunas ilustraciones inéditas hasta el momento.

- ¿Y cómo es la vida ahora que no hay que salir a golpear tantas puertas?

- La vida como está ahora es muy reciente, muy particular. Medio que nos está pasando por arriba, y hablo en plural porque la incluyo a mi mujer Deb, que trabaja conmigo. Fue un cambio bastante fuerte empezar a trabajar exclusivamente como ilustrador, que es algo que te permite tener cierto tiempo libre para regenerarte y crecer como dibujante. Al principio fue bastante abrumador y sorpresivo.

- ¿Qué es lo positivo que te quedó después de haber trabajado tantos años en publicidad?

- Aprendí un montón laburando en ese ambiente: rigor profesional, tener criterio, saber cómo venderme y a relacionarme con la gente. Los ilustradores suelen ser muy cerrados, muy introvertidos. Además, tuve la suerte de tener directores de arte que no eran como los de ahora, que tienen 23 años y piensan que se están comiendo al mundo, mientras que el mundo se los está merendando a ellos. Cuando acá la historieta no existía, la publicidad me dio de comer muchos años. Es algo muy cómodo y hasta tanguero ponerse en el lugar de “el dinero corrompe”, como si en una galería de arte no se corrieran los mismos intereses.

Avanzada la charla que duró poco más de dos horas, Aguirre señala que Jim, Jam y El Otro es un homenaje a sus amigos y a un determinado momento de la amistad entre los hombres: “Es como la última bobera, más intelectual. A mí me pasa que la mantengo los martes cuando voy a jugar al fútbol. Lo que pasa es que por lógica la vida te lleva a abandonar ese estado porque de mantenerlo en el tiempo se volvería patético”.

- ¿Cómo surgió dibujar a los personajes en diferentes etapas de su vida?

- Lo de los viejos surge de algo que tiene que ver con el momento en el que uno transita la vida. Vivimos en una sociedad que los barre debajo de la alfombra y que a la vez se toma la molestia de que “duren más”. Una vez que te acercás a los 40 años el cuerpo se encarga de demostrarte que la vejez te está pasando y empezás a mirar a los viejos de otra manera, a entender un montón de cosas. Llegar a grande no es adquirir sabiduría, ni nada. Uno es un pelotudo lleno de dudas, que serán otras, pero sabiendo que se tiene menos tiempo y menos capacidades. Sin embargo, de una manera extraña se aferra a vivir y no pierde el sentido del humor. Los viejos no están en ningún lado, están guardados, no existen. Yo me permito ponerlos en una contratapa de un diario.

Martín Carrillo

Foto: Ariel Loffi Gorostiaga

MUSICA

LA BOMBA DE TIEMPO: TRES AÑOS EN MARCHA

Santiago Vazquez, director general y fundador del grupo, cuenta cómo son sus recitales de percusión y sobre la historia del fenómeno multitudinario de los lunes en el Konex.

Desde que a principios de 2006 se activó, todos los lunes explota un poco más y cada vez con mayor intensidad en el corazón del barrio del Abasto. La Bomba de Tiempo se estableció en el lugar más incómodo de la semana y terminó por transformarse prácticamente en el único plan posible para la tarde noche del primer día laboral. Pero su éxito no reside en la falta de competidores dignos, sino en la originalidad de la propuesta y en el seguro efecto del boca en boca de los que ya los conocieron.

El público es joven en su mayoría (hay turistas de todo el mundo), cientos de ellos sacan fotos y filman, en todos los rincones se percibe el dulce aroma a recital y probablemente sea el lugar con mayor cantidad de mujeres lindas por metro cuadrado de la ciudad de Buenos Aires. En el patio de la Ciudad Cultural Konex los presentes aguardan la aparición de los 17 percusionistas que en minutos les entregarán cerca dos horas de “música rítmica, para el baile y de improvisación coordinada por un sistema de aproximadamente 70 señas inspirado en el compositor estadounidense Butch Morris”, según explica Santiago Vázquez (36 años), el director general y fundador de La Bomba de Tiempo.

- ¿Cómo convencerías a alguien que nunca los vio tocar en vivo para que vaya?

- ¡Por suerte ya no lo tengo que hacer! Estamos tranquilos sabiendo que quien nos tenga que conocer, lo hará, y que lo que tenga que pasar, pasará cuando sea el momento. Sí nos dan ganas de invitar a todos, de cualquier edad y estilos a sumarse a la fiesta. Que vengan a gozar y a bailar.

- ¿Por qué crees que se genera tanta empatía con el público?

- Es que en el modo que tocamos están incluidos ellos y son una parte fundamental de lo que está sucediendo. Es una energía que va más allá de la música. Cuando grabamos el disco (La Bomba de Tiempo, 2007) reflejamos lo que estaba pasado en un lugar y momento determinado, pero no se puede capturar la atmósfera que circula en el recital en vivo.

A pesar de su corta vida (este mes cumplen tres años), desde su nacimiento el grupo se mantuvo en un crecimiento constante y a gran escala. Si bien contar con cerca de 2500 espectadores por función ya resulta prácticamente habitual, La Bomba tuvo algunas experiencias a las que pocas bandas llegan, como tocar en el estadio deRiver Plate en el Quilmes Rock 2008 como invitados de Bersuit. A todo esto hay que sumarle que en sus recitales en el Konex asistieron como invitados figuras como Rubén Rada, Javier Malosetti, Lito Vitale y Dante Spinetta, entre otros. “Nos gusta compartir escenario con artistas que hacen un aporte personal y sostenido a la cultura de la ciudad. Lo sentimos como una oportunidad de intercambio y como homenaje a gente que pone su vida en lo que hace”, destaca Vázquez, que también tiene discos editados como solista y con el grupo Puente Celeste.

- ¿Cuáles pensás que son los puntos más altos de su historia?

- Hay varios momentos que recuerdo con gran cariño, realmente. El día que tocamos con Chango Spasiuk había muchísima gente y todos bailaban chamamés. Fue muy lindo ver eso en Buenos Aires, y también fue un punto de crecimiento grupal en que todos tomamos conciencia del tamaño que podía tomar esto. Y más recientemente, el concierto en el Microestadio de Argentinos Juniors (el 7 de marzo ante cerca de 4 mil personas), que estuvieron de invitados DJ Zuker y Gustavo Cordera.

Desde que caminando por el Tigre comenzó a idear lo que posteriormente de convirtió en La Bomba de Tiempo, Santiago Vázquez cuenta que siempre se imaginó al grupo tocando aunque le costó bastante que los demás comprendieran “qué era lo que les quería decir”. Tres años después ya no necesita dar demasiados argumentos, sólo alcanza con caminar algunas cuadras por el Abasto los lunes a la noche y vivirlo en persona.

Martín Carrillo

Fotos: Ariel Loffi Gorostiaga

¿CUANDO Y DONDE?

La Bomba de Tiempo se presenta todos los lunes a las 20 en la Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131), el precio de la entrada es de $ 15 y no se suspende por lluvia.

BUEN DESTINO TE INVITA A VER LA BOMBA DE TIEMPO

Escribinos a revistabuendestino@gmail.com y participá para ir a ver La Bomba de Tiempo en vivo. Los ganadore serán informados por mail y deberán presentarse en el Konex a las 19.

LIBROS

PARAISO DE LECTORES

Entre el 23 de abril y el 11 de mayo se llevará a cabo la 35º edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires en La Rural.

Los fríos pensamientos matemáticos la analizarían del siguiente modo: durante 19 días, en un espacio de poco más de 45 metros cuadrados, se reúnen más de 1.200.000 personas. En este acontecimiento todo podría ser calculado. Excepto una cosa, la de mayor importancia. Los miles de millones de tesoros editoriales que se llevan todos los visitantes que la recorren anualmente.

La 35º Feria Internacional del Libro se celebrará por décimo año consecutivo en La Rural entre el 23 de abril y el 11 de mayo. La gran labor organizativa llevada a cabo por la Fundación El Libro permitió que sea, con el paso del tiempo, el acontecimiento de mayor trascendencia en la lengua castellana.

En anteriores ediciones contó con personalidades ilustres como lo fueron Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato, Adolfo Bioy Casares, Osvaldo Soriano, Félix Luna, Roberto Fontanarrosa, María Elena Walsh o Alejandro Dolina.

Una de las costumbres que tiene la Feria del Libro es la de invitar a escritores internacionales. Así como los estadounidenses Paul Auster y Ray Bradbury, el peruano Mario Vargas Llosa y los uruguayos Mario Benedetti y Eduardo Galeano fueron de la partida, los siguientes son algunos de los nombres que la visitaran en 2009: los españoles Aitana Alberti y Fernando Savater, el sueco Henning Mankell, las estadounidenses Judith Butler y Annie Prolux y el dominicano Junot Díaz, ganador del último Premio Pulitzer por su novela La maravillosa vida breve de Oscar Wao.

El lema de la presente edición será “Pensar con libros”. “A pesar de todas las nuevas tecnologías creemos que el libro, dentro del pensamiento occidental, es un elemento importante para hacer avanzar el razonamiento y la reflexión”, explica Horacio García, el Presidente de la Fundación El Libro. “Creo que la feria se convirtió en uno de los acontecimientos culturales del año y que junto con el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente) son los encargados de ‘abrir’ el año. Y creo que el éxito que siempre tuvimos se lo debemos a que no hicimos ni una cosa chabacana ni una cosa elitista. Hay algo para todo el mundo”, concluye.

Martín Carrillo

¿DONDE?

Av. Santa Fe 4201, frente a Plaza Italia.

Av. Sarmiento 2704, y estacionamiento.

Av. Cerviño 4474, y estacionamiento.

¿COMO LLEGAR?

Líneas de colectivo: 10, 12, 15, 29, 37, 39, 41, 55, 57, 59, 128, 141, 152, 160 y 161.

Subte: Línea D - Estación Plaza Italia.

Tren: Línea San Martín - Estación Palermo.

LUGARES

PUENTE NICOLAS AVELLANEDA: UNICO EN SUDAMERICA

A 95 años de su creación, permanece como un gran símbolo de Buenos Aires y como mito del barrio de La Boca.

Caminito y la Bombonera son las imágenes más características cuando se piensa en La Boca. Pero otro de los sitios que es visitado enormemente por los turistas y una insignia del barrio es el puente transbordador Nicolás Avellaneda.

Nombrado en homenaje al tucumano quien fuera Presidente de la Nación entre 1874 y 1880, la monumental estructura de hierro abulonado fue inaugurada en el año 1914 en medio de una época de intenso trajinar marinero y de cientos de almacenes navales, según se puede ver en las fotografías de aquellos tiempos.

El objetivo con el que se puso en marcha su construcción fue el de unir el barrio boquense con la Isla Maciel. Su funcionamiento fue diario y sin interrupciones hasta 1947, cuando fue desactivado. El puente transbordador Nicolás Avellaneda es uno de los ocho de su especie que quedan en el mundo y el único situado en Sudamérica.

La pasarela, ubicada entre las avenidas Almirante Brown y Pedro de Mendoza, atraviesa al famoso Riachuelo, que es como se denomina desde 1580 (por los fundadores de la ciudad, donde encontraron un puerto natural en donde refugiar sus naves) al último tramo de 8 kilómetros del Río Matanza, que atraviesa 14 municipios bonaerenses para desembocar finalmente en el Río de la Plata.

Así como hasta fines de la década del 40 cientos de personas lo utilizaban, en la actualidad la misma cantidad de gente lo visita, pero por razones turísticas. Aunque esté en desuso, este gigante puente transbordador quedó inmortalizado en las pinturas del artista plástico Benito Quinquela Martín y siempre será un mito de la memoria colectiva de La Boca.

¿DONDE?

Av. Pedro de Mendoza y Av. Almirante Brown s/n. Sobre la ribera del Riachuelo, La Boca.

Martín Carrillo
Fotos: Esteban Montes

MUSICA

NUNCA ES DEMASIADO TARDE

La canadiense actuará por segunda vez en Buenos Aires el 12 de febrero en el Luna Park presentando su séptimo disco, Flavors of Entanglement.

Mucho tiempo pasó para que una de las cantantes solistas que más discos vendió en toda la historia (aproximadamente 60 millones) vuelva a actuar en la Argentina. Alanis Morissette, una década después de su única visita al país, pisará el escenario del Estadio Luna Park, la Catedral del Boxeo, el 12 febrero para intentar revalidar el título de talento y energía que se llevó aquella noche de noviembre.

La gira latinoamericana en la que se embarcó a mediados de enero de este año la llevó por once ciudades de Brasil y continuará en Buenos Aires para finalizar con tres conciertos en México. Todos estos recitales están encuadrados en la gira de presentación de su séptimo disco de estudio, Flavors of Entanglement (2008), que ya lleva vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo y ha recibido aceptables críticas por parte de la prensa especializada.

Hija de padres docentes, Alanis Nadine Morissette nació en Ottawa, Canadá, en 1974. Comenzó a tocar el piano y la batería a los cuatro años y a los diez escribió su primera canción. Luego de dos discos sin tanto éxito que solamente fueron distribuidos en su país, en 1995 editó Jagged Little Pill que se convirtió en un suceso mundial de inmediato. El rabioso hit de novia abandonada que estaba en ese álbum,You Oughta Know, invadió todas las radios y la llevó a ganar cuatro Premios Grammy.

Con la misma actitud escénica que en sus comienzos, Alanis Morissette volverá a Buenos Aires.Tres discos y diez años después. Quizás fue demasiada la espera, pero no demasiado tarde.

Martín Carrillo

¿COMO LLEGAR?

Estadio Luna Park, Bouchard 465. En subte con la Línea B hasta Estación L. N. Alem o en colectivo con las líneas 4, 6, 20, 22, 23, 26, 28, 33, 45, 50, 54, 56, 61, 62, 74, 91, 93, 99, 105, 109, 126, 130, 140, 143, 146, 152, 159 y 180.

INFORMACION UTIL

Fecha y horario: jueves 12 de febrero a las 21.30. Entradas desde 80 a 400 pesos y se pueden adquirir en el Estadio Luna Park mediante Ticket Portal (llamando al 5353-0606 o ingresando a www.ticketportal.com.ar).

LUGARES

JARDIN JAPONES: UNA ESPECIE DE MAGIA

Sinónimo de prolijidad y paz, es uno de los mejores espacios para la relajación y para aprender acerca de una cultura diferente, aunque con muchos años de historia en Argentina.

En febrero de 1981 el mundialmente famoso grupo Queen llegó a Argentina en el marco de la gira de presentación de su disco The Game. Si bien es de público conocimiento la extravagante personalidad que supo tener el cantante y líder de la banda, para la visita a Buenos Aires, Freddie Mercury pidió algo bastante terrenal. Expresamente solicitó conocer un lugar de la ciudad del que había escuchado maravillas. Posiblemente influenciado por Tokio, donde había estado hacía unas semanas, el inglés tuvo deseos de recorrer el Jardín Japonés. La anécdota resalta la relevancia y el prestigio que tiene este hermoso sitio internacionalmente.

Fue inaugurado en 1967 por la llegada del, por entonces Príncipe Heredero, actual Emperador de Japón Akihito como una donación a la Municipalidad de la ciudad con el objetivo de difundir la cultura nipona. Diariamente cientos de turistas de todos los continentes pasean por los diferentes puntos de interés que ofrece el parque.

El Jardín Japonés es una perfecta imitación de la naturaleza del país oriental ya que cuenta con plantas propias (pino negro, cerezo, ginko, bambú, glicinas, azaleas, entre otras) traídas directamente desde su lugar de origen.

En su superficie de casi tres hectáreas se encuentra un gran lago artificial en el que se pueden ver a los casi 800 peces koi, también conocidos como carpas. Son denominados como Reyes del Lago (porque nadan contra la corriente), muy coloridos y un símbolo de amor, afecto y prosperidad.

Sin dudas, el elemento que más llama la atención en todo el jardín es el Taiko Bashi, el Puente Curvo. De un rojo intenso, representa con sus escalones todas las etapas de la vida de una persona y, en días soleados se refleja en el agua para formar un fantástico efecto visual.

Constantemente se realizan demostraciones de disciplinas como Origami (papel plegado), Shishu (bordado), Ikebana (arreglo floral), Bonsai (árboles en maceta), artes marciales, entre otras actividades. Sólo basta con consultar su página de Internet y verificar la agenda.

Es un lugar de características únicas, fuera del contexto en relación al vértigo del resto de Buenos Aires. El Jardín Japonés es un ambiente de relajación y meditación en medio de una ciudad que ni siquiera conoce esas palabras. Como alguna vez cantó Freddie Mercury: “Es como una luz que muestra el camino. Es una especie de magia”.

Martín Carrillo

Fotos: Esteban Montes

INFORMACION UTIL

Dirección: Av. Figueroa Alcorta y Av. Casares.

Días y horarios: de lunes a domingos de 10 a 18.

Entrada: $5.
Teléfonos: 4804 - 4922 / 4804 – 9141.

Página de Internet: http://www.jardinjapones.org.ar/.
Correo electrónico: informes@jardinjapones.org.ar.

COMO LLEGAR

En colectivo: 10, 15, 37, 59, 60, 67,93, 95, 102, 108, 118, 128, 130, 141, 160 y 188. En subte: Estación Scalabrini Ortíz, Línea D (a ocho cuadras, aproximadamente).

MUSEOS

XUL SOLAR, LA LUZ DE LA VANGUARDIA

Desde hace 15 años se exhibe en pleno Palermo gran parte de la colección de uno de los más polifacéticos artistas de la Argentina.

A partir del momento en que se dan los primeros pasos en el Museo Xul Solar, se empieza a ver y respirar arte. Ya el edificio vale destacarlo como una gran obra de diseño. Es una propiedad de más de 100 años de antigüedad en la que el pintor vivió

algún tiempo y que fue reinaugurada en 1993 después de la reconstrucción que estuvo a cargo del arquitecto Pablo T. Beitía.

Su nombre real era Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, pero adoptó el seudónimo de Xul Solar para simplificar la lectura del apellido de su padre, para formar el anagrama del vocablo latín lux y así “autodefinirse” como “luz solar”. Nació en San Fernando, Provincia de Buenos Aires, en 1887 y, como lo demuestra su obra, siempre estuvo muy movilizado por temáticas como el esoterismo y la astrología.

En el museo se pueden apreciar todas las épocas en las más de 70 piezas que recorren desde sus inicios en 1915 hasta principios de la década del 60, cuando muere. En general, todas sus creaciones eran muy coloridas y con alguna cuota de humor siempre inmersa de algún modo.

Xul supo cultivar una gran amistad con el escritor Jorge Luis Borges. Ambos compartían un juego que el pintor había inventado: el panajedrez. También había desarrollado una nueva técnica para aprender a tocar el piano: “Permitirá que el estudio de este instrumento sea posible realizarlo en la tercera parte del tiempo que hoy lleva”, dijo alguna vez. Ambos inventos se exhiben en el museo.

Muy alabado en el ambiente del arte latinoamericano, la obra de Xul Solar no goza de la popularidad que se merece. A 45 años de su fallecimiento, vaya el reconocimiento para un gran vanguardista.

Martín Carrillo

INFORMACION

Dirección: Laprida 1212
Horarios: Martes a viernes de 12 a 20 y sábados de 12 a 19.

Precios: General: $6. Estudiantes universitarios, jubilados y menores: $2. Establecimientos educativos (primarios y secundarios): $1.

Teléfonos: 4824 - 3302 / 4821 – 5378.

PERSONAS Y PERSONAJES

Carlos Gardel

SIMBOLO DEL TANGO Y EMBLEMA DE BUENOS AIRES

El Morocho del Abasto cautivó tanto por su arte como por su personalidad. Se fue hace más de 30 años todavía sigue vigente en todo el mundo.

La disputa existió desde siempre nunca terminará. Documentos a su favor tienen las dos partes. Los uruguayos dicen que nació en Tacuarembó, pero no saben si fue en 1883 o en 1887. Sin embargo, la versión oficial cuenta que al sur de Francia, en la localidad de Toulouse el 11 de diciembre de 1890 fue dado a luz Charles Romuald Gardès. De todos modos, las palabras del histórico símbolo porteño son las más románticas y convenientes para los argentinos: “Nací en Buenos Aires, a los dos años y medio de edad” (fecha en la que llegó a la ciudad).

Carlos Gardel es la postal de la música nacional desde principios del siglo XX. De eterna sonrisa blanca y pelo engominado hacia atrás, representa en una misma persona a todo el espíritu del tango con su prodigiosa voz. Por su modo de hablar, era imposible no identificar sus orígenes culturales. “El idioma, señores, es el español. O mejor aún, el porteño. El pronombre ‘vos’, en lugar de ‘tú’; el verbo ‘vení’, en lugar de ‘ven’. Yo sólo sé cantar en criollo”, declaró alguna vez en Estados Unidos ante el pedido de interpretar sus canciones con un acento más neutro.

Un hecho que no es de gran conocimiento popular es que este hincha de Racing desarrolló gran parte de su carrera con una bala alojada en su pulmón izquierdo. En un confuso episodio en 1914, le dispararon a la salida del Palais de Glace (era un salón de baile por esa época) cuando quiso defender a un amigo de un robo.

También fue íntimo amigo de uno de los más grandes actores de la historia: Charlie Chaplin. Se conocieron una noche en Niza, Francia, y desde entonces cultivaron una relación de amistad y admiración. “Comenzó a cantar y me impactó hondamente. Tenía un don superior al de su voz y a su figura. Tenía una enorme simpatía personal que le hacía ganar de inmediato el afecto de todos. Recuerdo que le aconsejé que se dedicara al cine. No me había equivocado cuando le auguré éxito”, repasó el inglés años después de su último encuentro.

El 24 de junio de 1935 murió en un accidente de aviación en Medellín, Colombia. Su forma de ser y sus más de 700 canciones son parte del legado que dejó hace 33 años El Zorzal Criollo.

Martín Carrillo

MUSEO CASA CARLOS GARDEL

Desde hace cinco años funciona en el barrio del Abasto el Museo Casa Carlos Gardel. El cantante adquirió el inmueble para su madre en 1927 y vivieron juntos allí hasta 1933, cuando Gardel se mudó a Francia.

Dirección: Jean Jaures 735.

Horarios: Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 18. Sábados, domingos y feriados de 10 a 19.

Entrada: General $1. Miércoles gratis.

Raúl Lavié. Cantante y actor.

La importancia que tuvo un hombre como Carlos Gardel es la de haber creado un género. Fue el primero en todo, él inventó el tango. Además, se ha fabricado un ícono suyo como la figura más emblemática de Buenos Aires.

Si bien no soy su mayor devoto, pienso que hay destacar su forma tan particular de cantar. Por supuesto, todos sabemos de sus grandes cualidades vocales, pero no prestamos tanta atención a su obra como melodista, y creo que su punto más alto fue en la canción El día que me quieras.

Su talento, su estilo y su forma de ser son cosas que todos hemos tratado de imitar. En la historia nunca hubo nadie para poder compararlo, ni lo habrá. No hay dudas, fue el más grande.

LUGARES

Foto: Esteban Montes

CABILDO: BLANCO INCONFUNDIBLE

Con cuatro siglos de vigencia, esta construcción es uno de los símbolos más identificables de la ciudad. Actualmente es un muy interesante museo.

Hace exactamente 400 años se empezó a construir. Si alguna de las personas que haya conocido al Cabildo a principios del siglo XVII lo viera por estos días, seguramente no lo distinguiría sin sus paredes de adobe y sus techos de paja y caña.

Quizá tampoco entenderían por qué desde hace cientos de años todos los niños de jardines de infantes y de escuelas primarias intentan dibujarlo durante el otoño. Les sonará extraño cuando se les cuente que algunos de los próceres más destacados del país se han reunido en sus salones. También les resultará difícil de identificar las razones que tienen todas las personas que visitan este lugar que, en la actualidad, es un museo.

Sin lugar a dudas, habría que comenzar por decirles que el Cabildo albergó a uno de los acontecimientos de mayor relevancia en la historia argentina: la Revolución de Mayo de 1810. Algunas de las personalidades de aquellos tiempos que formaron la Primera Junta de Gobierno fueron: Cornelio Saavedra (Presidente), Mariano Moreno y Juan José Paso (Secretarios) y Miguel de Azcuénaga, Manuel Belgrano y Juan Larrea (Vocales). Este fue el puntapié inicial para la Declaración de la Independencia de España que se proclamaría seis años más tarde.

Alojó a las autoridades del Virreinato del Río de la Plata (gobierno que impuso la Corona Española y dominó gran parte del continente americano) y hasta llegó a funcionar como cárcel.

Declarado Monumento Histórico en 1933, en la actualidad se ha convertido en el Museo Nacional del Cabildo. En su interior pueden observarse cuadros, retratos, piezas y joyas del siglo XVIII, el arca fiscal de Caudales y en el patio se encuentra un aljibe de 1835, perteneciente a la casa natal de Belgrano.

La Plaza de Mayo enfrente, la Casa de Gobierno un poco más adelante y la Catedral a su izquierda. A pesar de haber sufrido varios cambios en su estructura, el blanco del Cabildo es un sello inconfundible en el centro de Buenos Aires.

Foto: Esteban Montes

Dirección: Bolívar 65 Horarios: miércoles a viernes de 10.30 a 17. Sábados, domingos y feriados de 11.30 a 18.
Visitas guiadas: Viernes a las 15.30 (gratis). Sábados y domingos a las 14 (gratis), 12.30 y 15.30 ($3 para mayores de 12 años).

Entrada: Bono contribución de $3.
Teléfono: 4342-6729 y 4334-1782.

Martín Carrillo

LIBROS

Fotografía: Esteban Montes

LINIERS Y EL ARTE DE RESALTAR LAS VIRTUDES

El historietista habló con BUEN DESTINO sobre su reciente publicación, Conejo de Viaje. Sus dibujos ganan cada vez más interesados.

En un sospechoso día de junio de más de 20 grados, se lo ve llegar con lo que parece será un elemento útil para lo que resta de la tarde: una botella de agua mineral. Saluda cordialmente e invita a pasar a su estudio ubicado en el barrio de Retiro. En el ascensor advierte que, como hace poco que adquirió la oficina, sólo hay tres sillones. “Estamos perfectos. Uno para mí y uno para cada uno de ustedes”, dice de modo sonriente Liniers. Las paredes, el piso y hasta los enchufes están cubiertos por pinturas y dibujos suyos. Después de servir agua para todos, Ricardo Siri (Liniers es su segundo nombre) se sienta en el más alto de los asientos, frente a su escritorio y empieza a explicar el origen de Conejo de viaje (2008), su más reciente libro. “Yo siempre dibujé mis viajes, por así decir. Pero una vez estaba en Barcelona y mi editora de España vio en mis cuadernos un libro. Traté de hacer algo para que el que lo leyera y no me conociera no le resultara un embole. Ya bastante molesto es que te cuenten un viaje si vos no lo hiciste (risas). Durante 10 minutos está bien, pero cuando te cuentan sobre la Torre Eiffel y te empiezan a mostrar las 2.000 fotos que sacaron es insoportable”, señala quien publica la historieta Macanudo para La Nación desde 2002.

-¿Mientras sigan habiendo viajes vas a continuar editando libros de Conejo de viaje?

-Sacando los últimos dos viajes que aparecen, los dibujos los hice sin saber que iban a ser publicados. Así que pienso seguir haciéndolos y si en algún momento da como para formar otro libro estaría bien. Igual, cuando estás de vacaciones lo último que querés hacer es trabajar.

-¿No sentís que estás exponiendo un poco tu vida?

-La expongo de la misma manera que Andrés Calamaro cuando le canta a su mujer. Si la gente te sigue un poquito se entera que tuve una hija (Matilda, de cuatro meses). No me gusta exponer mi intimidad, muestro cosas que son muy periféricas y no si me peleé con Angie, mi mujer.

-¿Cuándo y por qué decidiste empezar a dibujarte como conejo?

-En Berlín, cuando me invitaron a una muestra de arte, le dije a un amigo: “Me voy a empezar a dibujar como conejo en Macanudo”. Y él no entendía nada. En Bonjour (tira que editó en Página/ 12 entre 1999 y 2002) me hacía pero físicamente como soy yo y me daba como vergüenza. Cuando empecé a dibujarme como conejo dejé de tener ese pánico. Y la razón posiblemente haya sido por la misma que en una fiesta de disfraces descontrolás más. Te sentís más impune, no sos vos.

Suele decir, y no cuesta demasiado confirmarlo si se lo conoce, que es una persona tímida e introvertida. Por lo tanto, resta pensar que no debió haber sido un día común el día de la fotografía para los Personajes del Año 2006 de la revista Gente. “No me quiero ni acordar. Estaba entre Gaby Álvarez y la pared, literalmente. ¡Cómo han caído algunos! (risas). Es una danza de egos, imaginate que estaban Maradona, Charly García, Carmen Barbieri, Gerardo Sofovich, todos. Yo no estaba seguro de ir, pero después pensé que “mi trabajo es mirar gente y no me lo podía perder”. Igual me sirvió para ver por última vez a Roberto Fontanarrosa. Cuando lo vi, me puse contento y dije: “¡Un normal! ¡Uno de los buenos!”.

-¿Qué es el arte para vos?

-Creo que es algo que hace todo el mundo: mostrar la mejor versión de uno mismo. Yo estoy dentro de los que consiguen funcionar a base de matarse laburando, de encontrar la manera, de equivocarse, hasta que anda. Entonces cuando todos te dicen: “¡Sos buenísimo!”, vos decís: “No, no me salió así de fácil (risas). Genio es el que le sale como le salió a Mozart”.

Martín Carrillo

MUSICA

LUCIANO SUPERVIELLE

“LO QUE HACEMOS NOSOTROS NO ES TANGO”

El pianista, DJ y compositor de Bajofondo, recibió a BUEN DESTINO antes de uno de los ecitales de presentación del nuevo disco de la banda. Charló sobre su carrera y de cómo es la relación entre los músicos.

La extraña combinación gastronómica llama la atención. Empanadas de carne y whisky parece ser el menú, mientras las gaseosas permanecen intactas sobre la mesa. “Para calentar la garganta”, dirán algunos sin saber que el uruguayo sólo se limitará a rapear unas estrofas en francés del tema “Miles de pasajeros” y a agradecer religiosamente entre cada canción.

Luciano Supervielle tiene 31 años y es una de las piezas fundamentales de Bajofondo. Es el pianista, DJ y colabora en la composición de lo que se ha etiquetado como tango electrónico o como la revolución del clásico género. “Nosotros nunca tuvimos la pretensión de ser el Nuevo Tango y menos que se nos comparara con Astor Piazzolla, quien cambió la música en el siglo XX. Fue un tipo que rompió con muchas reglas y su influencia en la cultura del Río de la Plata es enorme. No sé si lo que hacemos puede llegar a ser importante en el futuro, pero hasta ahora considero que no es tango.”

-¿Ustedes piensan que lo que hacen es electrónica con elementos del tango, y no al revés?

-Claro, nosotros venimos realmente de la música electrónica. Si bien todo empezó como una búsqueda explícitamente enfocada hacia el tango, hoy ya no es así. Nuestro último disco (Mar Dulce, 2007) es más variado y hay componentes tanto del tango como de candombe, folklore, rock rioplatense y de muchos otros géneros. Son todas cosas que tienen que ver con nuestra cultura y que son inevitables que aparezcan.

-¿Pero, para componer, encontraste puntos en común entre los dos ritmos?

-Hay una cosa que es muy básica y es la raíz de los dos estilos: originariamente son para bailar. De cualquier manera hemos investigado por muchos lados diferentes: por el ritmo o a veces por la poesía. Los temas que yo escribo son basados en el tango de Piazzolla porque me siento muy identificado.

-¿Con cuáles otros artistas estás influenciado?

-Más allá que yo me dedico a la música electrónica y más específicamente al hip hop instrumental, mis referentes son de lugares muy diferentes. Así como lo son Beastie Boys, también te puedo nombrar a Charly García y a Eduardo Mateo, un compositor uruguayo.

Al contar con una persona como Gustavo Santaolalla en su formación, quien es alguien sumamente popular por estos tiempos, Supervielle resalta que es un hombre del cual aprendió muchísimo. “También debe aprender él de nosotros, aunque no deja de ser muy diferente al resto. Es un amigo, no es que hablás de igual a igual con él, pero tampoco anda con sus dos Oscar encima. Al final del día, te reís y te emborrachás

Martín Carrillo